Jolie Madame
Collages de Claudia Donoso
12 de Mayo al 01 de julio 2012.
La reconocida escritora y periodista chilena, debuta como artista visual con una serie de collages que han sido producto de un intenso proceso personal. Creados recientemente, se exhiben entre mayo y junio en Casa E, de Valparaíso. Con reminiscencias autobiográficas y estética barroca, las imágenes recortadas de publicaciones antiguas se abren al mundo de lo femenino, a cierto glamour y un sutil erotismo.
Ligada a la fotografía en sus inicios, Claudia Donoso (1955) se ha hecho reconocida en el medio nacional como escritora y periodista, a través de diversos medios escritos o con obras como “Los días tuertos” (1994), “La manzana de Adán” (1990, en coautoría con la fotógrafa Paz Errázuriz) e “Insectario amoroso” (2004, Editorial Sudamericana). Estas dos últimas fueron montadas por Alfredo Castro y el Teatro de la Memoria dentro de su “Trilogía testimonial de Chile”. Ejerciendo el periodismo, trabajó desde los años 80 en diversos medios nacionales, entre ellos, las revistas HOY, Apsi, Caras y Paula, destacando sus entrevistas a escritores y artistas visuales. Pero sus inicios están ligados a la fotografía: como reportera gráfica formada con el maestro Eliodoro Torrente, Premio Nacional de Periodismo 1957.
En 2007, Claudia Donoso decidió dejar de escribir. Trató de “olvidar escribir”, dice, pasando por un intenso proceso de revisión interna: “Aburrida de mi propia historia, intenté una manera de desorganizarme completamente, sin objetivo conocido fuera del gesto interno. Soy artista desde que nací. También he sido periodista. Pero el tempo del periodismo es contrario a mi naturaleza”. De ese trance existencial surgió una serie de collages que muestra por primera vez en Casa E, su debut como artista visual.
En la exposición “Jolie Madame”, están la catarsis, la disgregación, el fragmento y un nuevo orden de las imágenes encontradas. La artista se “acriminó” con libros y revistas antiguos, generalmente de los años 60, con verdaderos tesoros, enciclopedias juveniles y publicaciones de arte, que recortó siguiendo una pulsión interior.
Los restos que trabaja revelan iconografías recurrentes: abrigos de visón, joyas, pinturas del arte universal, objetos de diseño y decorados de interiores, que se van relacionando con colores parcos, en espacios dislocados y texturas profusas. Hay una nostalgia de lo femenino, de una elegancia y glamour de otro tiempo. Reminiscencias de la propia madre, referencias autobiográficas. Sobre el absurdo de las mezclas, surgen al mismo tiempo formas corporales, algo orgánico y genital incluso, un erotismo donde la artista tensiona lo festivo y lo sombrío bajo estética barroca.
La exposición permanecerá abierta hasta el domingo 01 de julio en Casa E (Calle Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre). El horario es de martes a domingo, de 11 a 20 hrs. Acceso liberado.
CONTACTO GALERÍA:
5632 2254624
contacto@casae.cl
http://www.casae.cl
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Historias de Destrucción y Desborde
Quinteros + Riffo + Vergara
10 de Marzo al 29 de abril 2012.
Historias de Destrucción y Desborde es una muestra que reflexiona sobre aspectos tectónicos de Valparaíso, tales como la relación de proximidad que tiene la ciudad con el mar, los sitios eriazos y el devastador terremoto de 1906 acontecido en dicho puerto.
Esta se comprende como una muestra tripersonal donde los artistas Pilar Quinteros, Sebastián Riffo y Héctor Vergara nos presentan, mediante la utilización de diversas materialidades, un panorama visual atiborrado de escombros, residuos y remanentes de historias perdidas en el imaginario colectivo de la ciudad de Valparaíso.
Por su parte, la artista Pilar Quinteros exhibe su obra “Feel Flows. De la serie Monumento al Enemigo”, la que mediante una video-instalación nos propone un recorrido hecho por una de sus esculturas desde el mar hacia los cerros de Valparaíso.
Sebastián Riffo, por otro lado, reflexiona plásticamente a través de su obra “Imagen Latente” sobre el terremoto de 1906 ocurrido en la ciudad porteña, registrado en el libro «La Catástrofe del 16 de agosto de 1906 en La República de Chile», de los autores Alfredo Rodríguez Rozas y Carlos Gajardo Cruzat. Ésta se compone de pinturas y dibujos.
Por último, Héctor Vergara presenta su obra “Yermos” la que, como su nombre lo expresa, reflexiona sobre los sitios eriazos de Valparaíso. Construye maquetas de lugares, fachada de edificios, fragmentos de escaleras, espacios vacíos, intersticios modelados con cartones encontrados en la calle, además de un afiche (spary sobre cartón) que representan la ruina y los desbordes de la cuidad.
www.destruccionydesborde.com/
VER FOTOS
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For and against (El primer año)
Exposición bipersonal de Felipe Mujica y Johanna Unzueta
14 de enero al 26 de febrero 2012.
La siguiente exposición de los artistas Felipe Mujica y Johanna Unzueta posee un título dividido el cual refleja la doble realidad con el cual conviven los artistas, ambos Chilenos radicados hace 12 años en Nueva York.
For and against significa “a favor y en contra” y es el titulo de un texto crítico escrito sobre The Armory Show, la primera exposición de arte moderno europeo a realizarse en Nueva York y en Estados Unidos en 1913 (de esta exposición proviene el nombre de la feria de arte contemporáneo que se organiza anualmente en la misma ciudad). Organizada por la Asociación Americana de Pintores y Escultores fue un punto de inflexión para el arte Norte Americano – a favor del modernismo y en contra del academicismo hasta entonces dominante – permitiendo a los artistas locales realizar trabajo de manera mucho más independiente y autónomo. El primer año es el título de un documental de Patricio Guzmán de 1971 el cual consiste en un retrato audiovisual del primer año del gobierno de Salvador Allende. De clara y determinado carácter político (y específico a la historia de Chile) el titulo también puede leerse como una declaración abierta, universal y optimista.
Siguiendo su línea de trabajo basado en objetos industriales y de uso cotidiano, Johanna Unzueta presentará una nueva serie de esculturas hechas con fieltro. Investigando la dicotomía entre industria y naturaleza, la ganadora del premio Chaco-Finlandia 2011, plantea una revisión a objetos y materiales de producción masiva, con un fuerte interés en la historia del trabajo (desde la revolución industrial hasta las luchas sociales de los 60 y 70), buscando crear situaciones poéticas en donde la presencia de cada objeto es transportada a una nueva dimensión personal y afectiva.
Felipe Mujica, en tanto, presentará obra inédita en Chile, la cual consiste en una instalación realizada con papel mural. Una obra decididamente cromática que tiene la intención de funcionar como un fondo conceptual y decorativo, es decir es una obra pensada para situarse “detrás” de otras obras o situaciones. Además Mujica presentará una escultura modernista y efímera instalada en el frontis de la Casa E.
Ambas obras dialogan con la historia del arte abstracto y concreto, concientes de su precariedad, lo cual debe traducirse como una crítica a las estructuras sociales y políticas que forjan las utopías, tanto históricas como actuales.
Si bien temática y conceptualmente las obras de ambos artistas son diferentes, han decidido producir una primera lectura compartida a través de la utilización de la misma gama de colores en todas las obras a exponer en Galería E, buscando crear un espacio y espíritu colaborativo, donde cada una de las piezas renuncian a parte de individualismo, para transformarse en parte de una proposición mayor.
La exposición permanecerá abierta hasta el domingo 26 de febrero en Casa E (Calle Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre). El horario es de martes a domingo, de 11 a 20 hrs. contacto@casae.cl Fono (32)2254624. Acceso liberado.
+INFO:
www.lanubeloca.org
RESEÑAS ARTISTAS
JOHANNA UNZUETA (Santiago de Chile, 1974) estudio Arte en la Universidad Católica de Chile y actualmente vive en Nueva York desde el año 2000. Ha expuesto en Chile, Brasil, México, Suiza, Inglaterra, Canadá y Estados Unidos. Recientes exposiciones individuales incluyen Miscellaneous, Visual-Metales Pesados (2011); Wintergarden, Galerie Christinger De Mayo, Zürich (2010); Snowfields, Die Ecke Arte Contemporaneo, Santiago (2010); Iron Folklore, Queens Museum of Art, NY (2009); y Work Dignifies, Or Gallery, Vancouver (2008). Su trabajo ha sido incluido en muestra colectivas tales como The (S) Files, El Museo del Barrio, Nueva York (2011); Epilogos, Museo de Arte de Zapopan, Guadalajara (2010); Contaminaciones Contemporaneas, Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, São Paulo (2010); Cabaret Voltaire Boutique, Swiss Institute, Nueva York (2008) y Linea de Hormigas, A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2007). Ha recibido la beca FONDART en tres ocasiones, DIRAC en dos y recientemente obtuvo el premio Chaco-Finlandia 2011 y también el 2010 Pulse Prize al mejor stand individual en la feria de arte Pulse New York.
FELIPE MUJICA (Santiago de Chile, 1974) estudio arte en la Universidad Católica de Chile y actualmente vive en Nueva York. Sus primeras exposiciones en Chile fueron acompañados por la creación del proyecto Galería Chilena (GCH) el cual fue fundó junto a Diego Fernández y José Luis Villablanca en 1997. GCH operó primero como una galería comercial y nómade (1997-2000) y luego como un proyecto colaborativo, un experimento curatorial (2000-2005). Exposiciones grupales recientes incluyen: The (S) Files, El Museo del Barrio, Nueva York (2011); Critical Complicity, Kunsthalle Exnergasse, Viena (2010); Contaminaciones Contemporáneas, MAC USP, Sao Paulo (2010); The Nature of Things, The Biennial of the Americas, Denver (2010); Third Guangzhou Triennial, Guangdong Museum of Art, Guangzhou (2008) y Linea de Hormigas, A Gentil Carioca, Rio de Janeiro (2007). Ha expuesto individualmente en Die Ecke Arte Contemporáneo, Santiago (2010 y 2007); The Shop – Vitamin Creative Space, Beijing (2009); y Message Salon @ Perla Mode, Zürich (2010 y 2008). Mujica ha recibido las becas DIRAC (2010, 2007 y 2004), FONDART (2009, 2004, 2001 y 2001) y Pollock Krasner Foundation en Nueva York, EEUU (2003).
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INAUGURACIÓN
“Nueve sobre-relieves”
Sábado 12 de Noviembre, 12:30 horas.
“Nueve sobre-relieves”
Tomás Rivas
Volúmenes de yeso rescatan del olvido mausoleos del Cementerio Nº 2 de Valparaíso
Inauguración en Galería E, Calle Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre
“Nueve sobre-relieves”, exposición de Tomás Rivas, se inaugura este sábado 12 de noviembre a las 12:30 horas. Permanecerá abierta hasta el domingo 25 de diciembre de 2011.
Piezas que detallan fragmentos del cementerio N°2 de Valparaíso constituyen el trabajo que Tomás Rivas muestra en Galería E.
El artista, con una destacada obra en la escena nacional e internacional de las artes visuales contemporáneas, reproduce aquí una reinterpretación de asuntos culturales que han permanecido en el olvido.
La muestra está constituida por nueve piezas –como el relato sobre los nueve lugares de peregrinación de los restos de Diego Portales por la ciudad de Valparaíso- que a través de distintos recursos de volumetrización (moldaje, vaciado, talla y copia) son dispuestos en la galería de un modo representativo, como una pintura tridimensional compuesta por tres muros y el suelo de la sala.
La exposición trata sobre una serie de fotos de detalles tomadas en el cementerio N°2 de Valparaíso, sometidas a un proceso interpretativo de transferencia de 2 a 3 dimensiones, convirtiéndolas en levantamientos volumétricos: sobre-relieves tallados y moldeados en yeso que especulan sobre la construcción y el traslado de espacios y cuerpos (volúmenes) de ese cementerio en particular a la galería.
Tomás Rivas nos propone pensar en la relación que existe entre el levantamiento de un volumen con el entierro de un cuerpo y el posterior deterioro de ambos.
La exposición permanecerá abierta hasta el 25 de diciembre en Casa E (Calle Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre). El horario es de martes a domingo, de 11 a 20 hrs. contacto@casae.cl Fono (32)2254624. Acceso liberado.
FICHA TECNICA EXPOSICIÓN:
“Nueve sobre-relieves”
Sobre-relieves tallados y moldeados en yeso
http://www.tomasrivas.com
+ DETALLES:
contacto@casae.cl
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INAUGURACIÓN
«Archivo MAR / memoria RAM»
Sábado 10 de Septiembre, 12:30 horas.
Archivo MAR / memoria RAM
Pía Sommer
El recuerdo del sonido en memoria fosforescente
Inauguración en Galería E, Calle Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre
“Archivo MAR / memoria RAM”, exposición videoacústica y pintura de Pía Sommer se inaugura este sábado 10 de septiembre a las 12:30 horas. Permanecerá abierta hasta el domingo 6 de noviembre de 2011.
Tramas de audio y paisaje en la sala son la propuesta de la MAR en la RAM, el nuevo trabajo que Pía Sommer, artista egresada del Instituto de arte de la PUCV, muestra en Galería E.
La artista, que viene desarrollando desde hace tiempo un interesante trabajo en instalación y arte sonoro, en el que las pistas de audio, el registro audiovisual y la gráfica son sus principales herramientas, nos invita a entrar dentro del almacenador temporal de la memoria.
Se trata de una proyección audiovisual que muestra un paisaje en blanco y negro correspondiente a alguna playa de la quinta región, en la que vemos, al expirar la ola antes de retirarse, aparecer, poco a poco, un mapa fosforescente. Estos trazos luminosos, que van adquiriendo mayor presencia lumínica, conforman en su totalidad un circuito de memoria RAM (random-access memory) mientras el sonido del MAR continúa.
El efecto luminiscente trata de la incorporación de sustratos fosforescentes a la gráfica.
Para tal aparición de la RAM, utiliza la técnica de video pintura, que consiste en el traspaso de una proyección visual a la pared, pincelada con pintura luminosensible.
Pía Sommer se cuestiona el sonido del mar al recordarlo.
Su respuesta es que nuestras experiencias son recuerdo aleatorios. Sommer busca en el evento fisiológico de oír, una recuperación de nuestra memoria acústica. El sonido, como espejo gráfico, muestra el mapa de luz, importando la búsqueda de relaciones sonoro-fosforescentes
La exposición permanecerá abierta hasta el 6 de noviembre en Casa E (Calle Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre). El horario es de martes a domingo, de 11 a 20 hrs.
FICHA TECNICA EXPOSICIÓN:
Proyección videoacústica y pintura (sustrato fosforescente sobre pared).
Pía Sommer
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INAUGURACIÓN
LA LUZ QUE ME CIEGA
Sábado 16 de Julio, 12:30 horas.
LA LUZ QUE ME CIEGA
Páz Errázuriz y Malú Urriola
En La luz que me ciega convergen varias artes: La fotografía, el video documental, el video arte digital, la música y la escritura poética para proponer una reflexión y poner en cuestión el tema de la mirada, sus alteraciones, su eventual pérdida en el marco de una sociedad bombardeada por la imagen como espectáculo.
Los dispositivos plásticos y la poesía se integran en el trabajo La luz que me ciega, para articular una obra multidisciplinar cohesionada de interacción artística e interacción territorial que mezcla y tensa críticamente lo local con lo global desde una reflexión a dos voces sobre el sentido y el sinsentido del ver en la sociedad contemporánea.
Es un proyecto de transdiciplinariedad e interacción multimedial para obtener una obra de carácter experimental y co-autoral, que levanta una pregunta de múltiples respuestas: ¿Qué se ve, cuándo se ve?
Nuestro trabajo está fundado en un grupo de personas que sufren de una enfermedad genética congénita llamada acromatopsia, que consiste en ver en blanco y negro. Y dentro de cuya visualidad el concepto de gris no sólo no existe, sino que es tan irreal como el resto de los colores.
Por su parte la palabra, su posibilidad poética, funda un ámbito, el presentimiento de una ocultación, el momento de la emanación, como secreta experiencia del ser con el instante.
Las figuras de la visión y la ceguera, se encuentran como trasfondo de nuestro discurso. «El que mira -nos dice en este sentido Zambrano- es por lo pronto un ciego que no puede verse a sí mismo».
Esa ceguera es también la del lenguaje, de allí el hallazgo de la palabra poética, que propicie la visión y el asombro.
Este trabajo no pretende ser un ejemplo contundente de cómo personas con ciertas características »no normales» de visión pueden interactuar en circunstancias adversas y diversas. Por el contrario, nos preguntamos si ver en blanco negro será necesariamente una anomalía, una enfermedad sin cura, o es tan sólo “otra” forma de ver.
La mayoría de las personas vemos en colores pero eso no garantiza que veamos del todo. Ni que seamos capaces de ver en tanto vemos.
La luz que se pre-supone que facilita el ver, a las personas que sufren de acromatopsia, los ciega. Estas diferencias son las que nos interesó hacer interactuar en nuestro trabajo. Para poner en cuestión el tema de la mirada: ¿Qué es lo que realmente vemos, cuando vemos?
Para ello se realizó un video documental. Se tomaron fotografías y retratos de los y las entrevistadas y su entorno. Pero también quisimos ir más allá de la representación y abordarlo también desde la poiesis.
El ojo es el órgano que detecta la luz, siendo la base del sentido de la vista.
El significado de este ver en blanco y negro va más allá de la propia enfermedad, (acromatopsia) convirtiéndose en una parábola del mundo en el que vivimos y de su sociedad.
Las imágenes y el texto poético que componen esta muestra están orientadas a incentivar esta reflexión en quienes la vean.
Ha sido para nosotras, un tremendo aporte artístico haber logrado esta intertextualidad de nuestras miradas artísticas diferentes, para proponer una obra de carácter experimental que vendría a mostrar y poner en el punto de mirada, un lugar, una minoría y otra forma más, de ver la vida.
El relato y su contenido se completarán con la mirada y las preguntas de los asistentes.
+INFO:
Paz Errázuriz (sitio web)
La Tercera, 25 de mayo de 2011.
El Mercurio de Santiago, 11 de julio de 2011.
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ENCUENTRO
CAUTIVERIO SERÁ
Renato Órdenes San Martín
2 de Julio de 2011.
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Revista Paula, comentario de arte de Catalina Mena, 25 de junio de 2011.
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ARTISTA PORTEÑO EXPONE ESCULTURA EN PLASTICINA
Inauguración en Galería E Calle Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre
La muestra del artista plástico Renato Órdenes se inaugura este sábado 7 de mayo a las 12:30 horas y permanecerá abierta hasta domingo 3 de julio de 2011.
Escultura in situ se denomina la técnica que utiliza el artista Renato Órdenes para dar forma a la muestra “Cautiverio será”, exposición que a partir del 7 de mayo estará en la Galería E, del Cerro Alegre en Valparaíso.
El artista expone una única pieza: un huemul de plasticina ubicado en el centro de la galería. “Un recorte de la realidad, un animal modelado en plasticina: una especie que no veremos, porque no sabemos donde buscar aquello que se extingue”, indica la reseña del montaje. Así, surgen ante el observador conceptos como el cautiverio, la intervención humana y la extinción de especies con especial simbolismo en la identidad nacional.
El artista explica que trabaja “con plasticina desde hace un tiempo y mantengo este material por muchas razones. Es importante saber de dónde viene el ánimo de hacer obras y para mí siempre es el deseo de tocar, apretar, sacar o poner”.
Respecto al quehacer creativo, Órdenes señala que hacer obras hoy es una decisión importante. “Hay demasiadas condiciones que atan la producción artística, conduciéndola a un calculado modo de hacer, de ver o decir, criando un arte tieso, frío y sintomático, alejado de toda naturalidad”, argumenta.
Renato Órdenes San Martín (1983), es licenciado en Arte de la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso. Ha realizado exposiciones individuales y colectivas tanto en la región de Valparaíso como en Santiago.
La exposición permanecerá abierta hasta el 5 de junio en Casa E (Calle Lautaro Rosas N° 344, Cerro Alegre). El horario es de martes a domingo, de 11 a 20 hrs. contacto@casae.cl Fono (32)2254624. Acceso liberado.
+ información de Renato Ordenes San Martín
album: http://renato.ultra-book.com/
Blog: http://renato-ordenes-sanmartin.blogspot.com/
Fotos: http://www.flickr.com/photos/renato-ordenes/
Galeria animal: http://www.salacero.cl/?p=274
Revista oh dear (méxico)/pag 24: http://www.ohdearzine.com/
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GRAND CELEBRATION, Nicolás Rupcich
12 de marzo al 1 de mayo de 2011.
Ver video «ML» (01:43 min)
www.rupcich.cl
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DINÁMICA, Matilde Pérez
8 de enero al 28 de febrereo de 2011.
GALERÍA E ARTES VISUALES, es un espacio creativo de producción y exhibición que se propone como un lugar destinado a la difusión de las artes visuales contemporáneas. Su formato, emplazado en una sala del primer piso, se interesa por la producción, investigación, exposición y reflexión de obra.
En su año de apertura, y en concordancia a su emplazamiento, plantea, a través del concepto “CASA”, dialogar con la comprensión del “habitar”, indagando así contextos particulares y comunes, creando una apreciación de situaciones de individuo y sociedad, haciendo posible una conversación entre producción, exhibición y reflexión de obra.
Martes a Domingo: 11-20 horas.
blog Casa E 